No me dí cuenta, pero el pasado 16 de diciembre
Eso en cuanto al teatro nacional e internacional. Con respecto al teatro de Córdoba, la relación con los teatreros locales fue bastante turbulenta. Para hablar con justicia, con algunos teatreros... Creo que no hay todavía una maduración a nivel personal y grupal que facilite la asimilación de, ni siquiera una crítica, de una opinión acerca de un producto, en un espacio tan personal como lo es un blog. Los comentarios agresivos y sobre todos amparándose en el anonimato son prueba de esta infantilidad. A ver: es mi blog. Yo soy mi propio editor, mi propio redactor, corrector, etc. Por lo tanto, escribo lo que quiero y sobre lo que quiero, sobre lo que me gusta y sobre lo que no me gusta. Si no le gusta al que lo lee, ¿para qué lo lee? Es más, ¿¿¿por qué sigue entrando al blog??? Eso es tan incomprensible como fascinante.
Nunca me propuse hacer un blog "intelectual", en el sentido aburrido y académico del término. Para eso existe bibliografía teatral. Simplemente, quise compartir mis apreciaciones sobre lo que veía en las tablas cordobesas. y decir lo que muchos piensan y no se atreven a decir.
Comprendo, y aquí viene si quieren llamarla así, la "autocrítica", que a veces mis formas de decir o escribir lo que pienso, puede caerles mal a muchos. Pero vuelvo a lo mismo: es un estilo personal, y no tengo un editor atrás.
Teniendo en cuenta todo lo relacionado al teatro de Córdoba en
Pero como soy de Córdoba y veo y hago teatro aquí, no puedo hacer la vista gorda. Es así que pronto, muy pronto, daré a luz a mi proyecto de Tesis en Comunicación Social (del cual
En fin, así las cosas, les agradezco a todos, todos los que alguna vez leyeron este blog, a los que les sirvió, a los que les interesó, a los que los informó. Y también a los que los irritó, a los que los enojó, a los que bardearon, a los que criticaron, etc. por haberse tomado la molestia de tipear un comentario. Entre todos, mantuvieron viva
Graci
H.E.
31 dic 2007
Año nuevo, cosas nuevas
23 dic 2007
De Mambru a RENT
"Tripa" es Roger
Florencia Otero (Mimi) y TripaFuente: La Nación
Después de varias etapas de audiciones fue elegido el elenco que protagonizará la producción argentina de Rent , que se estrenará a fines de marzo del año que viene, en la Ciudad Cultural Konex.
Los elegidos son Germán Tripel (ex miembro de Mambrú); Florencia Otero (la pequeña Cosette de Los miserables, la Flor en El principito e hija de Luis Luque en Mujeres de nadie ); Andrés Bagg; Laura Conforte ( Los miserables , Sweet Charity , Los productores ); Deborah Turza ( El violinista en el tejado , Sweet Charity , Los productores ); Pablo Sultani ( Sweet Charity , Los productores ); Angel Hernández ( Sweet Charity, Los productores ); y Martín Repetto ( Las mil y una noches , Des-ilusiones , Club Casino ).
El elenco que los acompañará está compuesto por Esteban Masturini, María Eugenia Fernández, Leo Bosio, Pablo García, Melanie Lenoir, Patricia Lorca, Rodrigo Segura, Marcos Gorosito, Natalia Volonnino, Solange Prat, Eliseo Barrionuevo y Adrián Scaramella. Además, Osvaldo Tabilo, Federico Boaglio, Nicolás Quesada y Santiago Greco conformarán la banda de rock que tocará en la obra.
La dirección general y puesta en escena será de Valeria Ambrosio; la dirección actoral, de James Murray; la dirección musical, de Gabriel Goldman, y las coreografías de Gustavo Carrizo; la escenografía de Facundo Lozano y Ana Repetto; el vestuario de Walter Jara, y las luces, de Sandro Pujía. La adaptación de las canciones estuvo a cargo de Marcelo Kotliar ( Amantes odiosas ) y la producción general, de Andy Ovsejevich.
Rent es un musical escrito por Jonathan Larson en 1996 e inspirado en La Bohème , que se centra en la vida de un grupo de jóvenes bohemios que viven en Nueva York, a comienzos de la década del 90, y luchan por sobrevivir entre la desesperanza y el sida. Aún continúa en cartel en Broadway.
Después de varias etapas de audiciones fue elegido el elenco que protagonizará la producción argentina de Rent , que se estrenará a fines de marzo del año que viene, en la Ciudad Cultural Konex.
Los elegidos son Germán Tripel (ex miembro de Mambrú); Florencia Otero (la pequeña Cosette de Los miserables, la Flor en El principito e hija de Luis Luque en Mujeres de nadie ); Andrés Bagg; Laura Conforte ( Los miserables , Sweet Charity , Los productores ); Deborah Turza ( El violinista en el tejado , Sweet Charity , Los productores ); Pablo Sultani ( Sweet Charity , Los productores ); Angel Hernández ( Sweet Charity, Los productores ); y Martín Repetto ( Las mil y una noches , Des-ilusiones , Club Casino ).
El elenco que los acompañará está compuesto por Esteban Masturini, María Eugenia Fernández, Leo Bosio, Pablo García, Melanie Lenoir, Patricia Lorca, Rodrigo Segura, Marcos Gorosito, Natalia Volonnino, Solange Prat, Eliseo Barrionuevo y Adrián Scaramella. Además, Osvaldo Tabilo, Federico Boaglio, Nicolás Quesada y Santiago Greco conformarán la banda de rock que tocará en la obra.
La dirección general y puesta en escena será de Valeria Ambrosio; la dirección actoral, de James Murray; la dirección musical, de Gabriel Goldman, y las coreografías de Gustavo Carrizo; la escenografía de Facundo Lozano y Ana Repetto; el vestuario de Walter Jara, y las luces, de Sandro Pujía. La adaptación de las canciones estuvo a cargo de Marcelo Kotliar ( Amantes odiosas ) y la producción general, de Andy Ovsejevich.
Rent es un musical escrito por Jonathan Larson en 1996 e inspirado en La Bohème , que se centra en la vida de un grupo de jóvenes bohemios que viven en Nueva York, a comienzos de la década del 90, y luchan por sobrevivir entre la desesperanza y el sida. Aún continúa en cartel en Broadway.
15 dic 2007
Un argentino en Mamma Mía!
Di Pace, actor argentino de exportación
Por estos días acaba de finalizar el rodaje en Europa de la esperada comedia musical basada en uno de los más grandes éxitos de Broadway, Mamma Mia, inspirada en los hits del mítico grupo sueco Abba y protagonizada por la actriz más galardonada del mundo: Meryl Streep.
En el elenco se luce Meryl Streep junto a otra estrella de Hollywood, Pierce Brosnan. Este entretenido musical se estrenará en los cines del mundo el año que viene. La novedad es que uno de los co-protagonistas de la película el joven actor, cantante y bailarin argentino, Juan Pablo Di Pace (quien personificará a “Petros” en el largo) y quien ya hizo de Billy Flyn en la versión inglesa de Chicago.
Acá el trailer de la peli:
7 dic 2007
Griegos y Maslow
La otra noche le pregunté a mi amigo Bruno qué tal la había pasado en la última Creamfields. Me respondió que según la Pirámide de Maslow, él no tenía sus necesidades primarias satisfechas (primer escalón de la pirámide), y que por eso no pudo acceder al goce de otros escalones superiores. En concreto, estaba tan perseguido por la falta de seguridad reinante en el predio, que casi no escuchaba la música, lo que escuchaba no le gustaba, se puso de mal humor y al rato se perdió en la noche electrónica de Buenos Aires.
Reflexionando sobre la Pirámide de Maslow, lo mismo que le ocurrió a Bruno con la Creamfileds me pasó a mí cuando fui a ver Griegos, dirigida por Daniela Martín. Hubo una de las necesidades básicas que postula el primer escalón que no me fue satisfecha, y por ende no pude acceder a otros goces superiores. ¿Cual era esa necesidad?¡La temperatura necesaria para lograr la homeostasis!
Era taaaal el calorrrr, que me pareció que Mauro Alegret era demasiado joven para interpretar Agamenón; era tal el calor que me pareció insoportable que los textos originales de Esquilo movieran a la risa cada vez que Casandra los decía; era tal el calor que por momentos pensé que estaba en una parodia a la tragedia griega escrita por (y sin la genialidad de) Woody Allen, Mel Brooks o Monty Python. Era tal el calor que me pareció que el piano estaba endiabladamente desafinado (o era a propósito y yo, por el calor, no me di cuenta?) Finalmente, era tal el calor que me quería ir y dejar a mi novia plantada tomando un vino tinto caliente.
Estoy seguro de que si Griegos se hubiese presentado en invierno, o en la acondicionada sala principal del lugar más paquete que tiene el teatro independiente de Córdoba (después de Galileo) como es Documenta, otro hubiera sido el cantar. Tal vez hubiera valorado los inspirados textos de Carolina Muscará y Gastón Sironi; seguro hubiera disfrutado de la actuación de Analía Juan como Casandra o me hubiera conmovido la Clitemnestra de Maura Sajeva. En fin, de no ser por el calor, quizás hasta llegaba a recomendar Griegos.
Reflexionando sobre la Pirámide de Maslow, lo mismo que le ocurrió a Bruno con la Creamfileds me pasó a mí cuando fui a ver Griegos, dirigida por Daniela Martín. Hubo una de las necesidades básicas que postula el primer escalón que no me fue satisfecha, y por ende no pude acceder a otros goces superiores. ¿Cual era esa necesidad?¡La temperatura necesaria para lograr la homeostasis!
Era taaaal el calorrrr, que me pareció que Mauro Alegret era demasiado joven para interpretar Agamenón; era tal el calor que me pareció insoportable que los textos originales de Esquilo movieran a la risa cada vez que Casandra los decía; era tal el calor que por momentos pensé que estaba en una parodia a la tragedia griega escrita por (y sin la genialidad de) Woody Allen, Mel Brooks o Monty Python. Era tal el calor que me pareció que el piano estaba endiabladamente desafinado (o era a propósito y yo, por el calor, no me di cuenta?) Finalmente, era tal el calor que me quería ir y dejar a mi novia plantada tomando un vino tinto caliente.
Estoy seguro de que si Griegos se hubiese presentado en invierno, o en la acondicionada sala principal del lugar más paquete que tiene el teatro independiente de Córdoba (después de Galileo) como es Documenta, otro hubiera sido el cantar. Tal vez hubiera valorado los inspirados textos de Carolina Muscará y Gastón Sironi; seguro hubiera disfrutado de la actuación de Analía Juan como Casandra o me hubiera conmovido la Clitemnestra de Maura Sajeva. En fin, de no ser por el calor, quizás hasta llegaba a recomendar Griegos.
18 nov 2007
Eterna vigencia de la risa
Carlo Goldoni, dramaturgo veneciano considerado el padre de la comedia italiana, escribe Arlequin, el servidor de dos patrones en 1745 en un intento por plasmar en distintos textos dramáticos los personajes, argumentos y procedimientos de este género cómico que surge en la Venecia del siglo XVI.
Este género es conocido como la "Commedia dell´arte", y su principal característica era la improvisación, la actuación exagerada y teatral, con una sucesión de enredos vertiginosa y escandalosa, obscena y grotesca.
Ironizaba sobre los tipos sociales, las figuras políticas aristocráticas en el arquetipo de los enamorados; de las ciencias, con emblemático Doctor, y el poder militar, con los ridículos Capitanes, como Florindo, y Colombina, otra criada enamorada de Arlequino y víctima de sus engaños...Era una farsa giñolesca, de asunto disparatado.
Arlequín
"Il Dottore"
"Pantalone"
Las compañías de actores que se dedicaban a la commedia eran actores de carromatos, de la ruta, para el pueblo.
A más de dos siglos de su publicación, la obra de Goldoni, y por ende la Commedia dell´arte, sigue haciendo las delicias de un público que no sabe que Los Tres Chiflados, Chaplin y hasta muchas de las modernas sitcoms televisivas, deben su vida a este género italiano.
En todo el mundo, el tierno Arlequino sigue haciendo de las suyas. Por ejemplo, acaba de estrenarse en Viena una versión de "el servidor..." adaptando su lectura social al contexto sociopolítico mundial, volviéndose una crítica aguda a la actualidad.
Una reciente versión en Austria
Argentina también ha sucumbido a la frescura de la Commedia: La Banda de la Risa, con Claudio Gallardou a la cabeza, presentó hace años y con mucho éxito una recordada versión de la obra de Goldoni (¡hasta hizo temporada de verano en Carlos Paz!).
Claudio Gallardou en el rol del servidor
Actualmente, sigue representándose en el Teatro de La Ribera de Buenos Aires la adaptación que dirige Alicia Zanca (¡con Luisiana Lopilato como Clarise!).
La versión de Alicia Zanca
En Córdoba, anoche debutó "Arlequino ..." de la mano del grupo La Huella, capitaneados por Juan Badra, quien merecería toda la atención, admiración y respeto, no solo de los medios, sino de los colegas teatristas de nuestra ciudad y, por supuesto, del gran público. Señores, estamos en presencia de una artista mayúsculo, con una dedicación al trabajo y una profesionalidad que no abundan en este medio.
Después de haber coqueteado con otros clásicos (Cyrano, Pinocho, ¡hasta Popeye!), La Huella vuelve a su origen, ése de la recordada La risa del pueblo, obra que hasta se dio el lujo de presentarse en el Teatro Nacional Cervantes. Y digo que vuelve a sus orígenes porque aquella obra husmeaba en los personajes bufonescos, en una suerte de homenaje a la Commedia dell´arte.
Duchos como están entonces en este tipo de teatro, lo que se vio anoche sobre el escenario de Galileo fue un espectáculo cuidado, elegante, con un vestuario envidiable, pero por sobre todo, con mucho talento sobre las tablas. Los actores manejan a la perfección el timing que exige el género, se mueven con soltura y son hábiles en aprovechar hasta los errores propios para volverlos en situaciones de humor, recurriendo a la más sincera improvisación, ésa que era la línea matriz allá por el siglo XVI.
Un momento especialmente adorable es aquel entre Arlequino (magníficamente encarnado por el propio Badra) y Esmeraldina, los dos criados enamorados, quienes utilizan dos títeres de mano, en una suerte de proyección de sus propias personas, para declarase mutuamente su amor.
Solo cabe reprochar la ausencia de un programa de mano para identificar actor/personaje, rubro técnicos o incluso al músico en vivo, miembro activo en la representación.
Este género es conocido como la "Commedia dell´arte", y su principal característica era la improvisación, la actuación exagerada y teatral, con una sucesión de enredos vertiginosa y escandalosa, obscena y grotesca.
Ironizaba sobre los tipos sociales, las figuras políticas aristocráticas en el arquetipo de los enamorados; de las ciencias, con emblemático Doctor, y el poder militar, con los ridículos Capitanes, como Florindo, y Colombina, otra criada enamorada de Arlequino y víctima de sus engaños...Era una farsa giñolesca, de asunto disparatado.
Arlequín
"Il Dottore"
"Pantalone"Las compañías de actores que se dedicaban a la commedia eran actores de carromatos, de la ruta, para el pueblo.
A más de dos siglos de su publicación, la obra de Goldoni, y por ende la Commedia dell´arte, sigue haciendo las delicias de un público que no sabe que Los Tres Chiflados, Chaplin y hasta muchas de las modernas sitcoms televisivas, deben su vida a este género italiano.
En todo el mundo, el tierno Arlequino sigue haciendo de las suyas. Por ejemplo, acaba de estrenarse en Viena una versión de "el servidor..." adaptando su lectura social al contexto sociopolítico mundial, volviéndose una crítica aguda a la actualidad.
Una reciente versión en Austria
Claudio Gallardou en el rol del servidor
La versión de Alicia ZancaEn Córdoba, anoche debutó "Arlequino ..." de la mano del grupo La Huella, capitaneados por Juan Badra, quien merecería toda la atención, admiración y respeto, no solo de los medios, sino de los colegas teatristas de nuestra ciudad y, por supuesto, del gran público. Señores, estamos en presencia de una artista mayúsculo, con una dedicación al trabajo y una profesionalidad que no abundan en este medio.
Después de haber coqueteado con otros clásicos (Cyrano, Pinocho, ¡hasta Popeye!), La Huella vuelve a su origen, ése de la recordada La risa del pueblo, obra que hasta se dio el lujo de presentarse en el Teatro Nacional Cervantes. Y digo que vuelve a sus orígenes porque aquella obra husmeaba en los personajes bufonescos, en una suerte de homenaje a la Commedia dell´arte.
Duchos como están entonces en este tipo de teatro, lo que se vio anoche sobre el escenario de Galileo fue un espectáculo cuidado, elegante, con un vestuario envidiable, pero por sobre todo, con mucho talento sobre las tablas. Los actores manejan a la perfección el timing que exige el género, se mueven con soltura y son hábiles en aprovechar hasta los errores propios para volverlos en situaciones de humor, recurriendo a la más sincera improvisación, ésa que era la línea matriz allá por el siglo XVI.
Un momento especialmente adorable es aquel entre Arlequino (magníficamente encarnado por el propio Badra) y Esmeraldina, los dos criados enamorados, quienes utilizan dos títeres de mano, en una suerte de proyección de sus propias personas, para declarase mutuamente su amor.
Solo cabe reprochar la ausencia de un programa de mano para identificar actor/personaje, rubro técnicos o incluso al músico en vivo, miembro activo en la representación.
11 nov 2007
Broadway de paro
Hoy se cumplen dos días de la huelga que el sindicato de tramoyistas de los teatros de New York llevan adelante por reclamos salariales y mejoras contractuales. Nadie sabe hasta cuando durará la medida. Lo cierto es que la mayoría de los shows quedaron sin funciones, causando pérdidas millonarias a los productores y desilusión en el público (en su mayoría turistas), quienes al llegarse hasta el teatro de su obra favorita se encontraron con los trabajadores en la puerta con pancartas explicando la situación. La fuerza de los sindicatos, presente.
En este videíto, la protesta (muy distinta a las de acá) en vivo.
En este videíto, la protesta (muy distinta a las de acá) en vivo.
6 nov 2007
Yes, we like it!
Gráfica de Pathos, de Rakhal HerreroLos espectáculos de Rakhal Herrero tienen ese no sé qué, ¿viste? que los vuelven simplemente irresistibles. En algún post anterior ya había hablado de este cordobés ahora radicado en Baires y de lo bien que le está yendo. Pues resulta que el señor Herrero volvió a la Docta nada menos que a finalizar su carrera, presentando la obra Pathos (en busca de la emoción perdida) como trabajo final de su Licenciatura en Teatro. Qué mejor forma de ponerle broche de oro a una carrera tan brillante como prometedora.
Artista completo, casi renacentista (actor, bailarín, dramaturgo, director, músico y cantante), Herrero derrocha creatividad, ingenio, buen gusto y respeto hacia el público. Y lo hace secundado efectivamente por Celia Argüello Rena, Agustina Menéndez y, en menor medida, Ulrico Eguizabal. Juntos, los cuatro demuestran poseer un alto compromiso físico y una irreprochable coordinación tanto corporal como vocal.
Vuelven a aparecer en este trabajo rasgos que el joven actor/dramaturgo, etc. parece utilizar ya como marca personal: una estética cuidada hasta la obsesión, el humor como eje que todo lo cruza, guiños constantes a la cultura pop/kitsch, precisión coreográfica y un talento envidiable para elegir la banda sonora (en Pathos se puede escuchar desde Bryan Adams hasta Tchaicovski, pasando por música electrónica y composiciones firmadas por el propio Herrero).
"Pathos" es el término griego que en el discurso retórico apela a la emoción , y a juzgar por lo ofrecido por Herrero y compañía, el objetivo fue cumplido con creces.
Artista completo, casi renacentista (actor, bailarín, dramaturgo, director, músico y cantante), Herrero derrocha creatividad, ingenio, buen gusto y respeto hacia el público. Y lo hace secundado efectivamente por Celia Argüello Rena, Agustina Menéndez y, en menor medida, Ulrico Eguizabal. Juntos, los cuatro demuestran poseer un alto compromiso físico y una irreprochable coordinación tanto corporal como vocal.
Vuelven a aparecer en este trabajo rasgos que el joven actor/dramaturgo, etc. parece utilizar ya como marca personal: una estética cuidada hasta la obsesión, el humor como eje que todo lo cruza, guiños constantes a la cultura pop/kitsch, precisión coreográfica y un talento envidiable para elegir la banda sonora (en Pathos se puede escuchar desde Bryan Adams hasta Tchaicovski, pasando por música electrónica y composiciones firmadas por el propio Herrero).
"Pathos" es el término griego que en el discurso retórico apela a la emoción , y a juzgar por lo ofrecido por Herrero y compañía, el objetivo fue cumplido con creces.
31 oct 2007
Cita con el paraíso
Santiago Sirur en Frankenstein, el musicalMi amigo Santiago Sirur, radicado hace años en Bs As, y quien protagonizara la revival de Frankenstein el año pasado en el Comedia, se presenta hoy en el Teatro Real con su espectáculo C´est le paradis.
Mèrde!
"C’est le Paradis” es una selección de arias francesas representativas del periodo romántico de la ópera lírica donde la fascinación por los grandes autores de la literatura universal llevó a la gran escena las más atrapantes historias.
“C’est Le Paradis” fue estrenado en noviembre 2004 en un ciclo exitoso en “ La Scala de San Telmo” y una vez más en mayo de 2005 en el mismo lugar con igual repercusión.
En diciembre de 2006 vuelve a ser repuesto en “La manufactura Papelera”, lugar donde tenemos el gusto de volver a reponerlo en junio de 2007.
Mèrde!
"C’est le Paradis” es una selección de arias francesas representativas del periodo romántico de la ópera lírica donde la fascinación por los grandes autores de la literatura universal llevó a la gran escena las más atrapantes historias.
“C’est Le Paradis” fue estrenado en noviembre 2004 en un ciclo exitoso en “ La Scala de San Telmo” y una vez más en mayo de 2005 en el mismo lugar con igual repercusión.
En diciembre de 2006 vuelve a ser repuesto en “La manufactura Papelera”, lugar donde tenemos el gusto de volver a reponerlo en junio de 2007.
30 oct 2007
Se fue de gira
Héctor GrilloAdiós, maestro.
26 oct 2007
¡AMO AL NEW YORK TIMES!
Imagen de Fuerzabruta. Igual que De la Guarda. Para un boliche en Bariloche.CRITICA FEROZ
A The New York Times no le gustó Fuerzabruta
- " Fuerzabruta , el nuevo espectáculo de los creadores argentinos de la exitosa De la Guarda, es otro acceso al acostumbrado y venerado género «teatro para gente que detesta el teatro»". Así arranca la lapidaria crítica de Charles Isherwood en The New York Times al espectáculo de Diqui James y Gaby Kerpel. "El público al que se dirige Fuerzabruta es, seguramente, adolescentes amantes de las discotecas", dice el crítico, que además los compara con un "pacman" y les dice misóginos.
Crítica completa (en inglés) aquí.
25 oct 2007
Yendo del boliche al teatro
Jenny McKenna es el nombre del personaje inventado hace años por un transformista cordobés que es un ícono en la noche gay cordobesa. Hoy dará su prueba de fuego en un ambiente muy diferente al alternativo que ocupa todos los fines de semana, ya que debutará nada menos que en el Teatro Real. Será con el espectáculo Cartel francés, que irá a la sala Azucena Carmona. La Jenny va por más. Toda la mèrde del mundo.
La Jenny en la tapa de Espectáculos de hoy en La Voz
La Jenny en la tapa de Espectáculos de hoy en La Voz22 oct 2007
Premios Estímulo
A ver si se entiende.
No estoy en contra de que se presente a distintos rubros una misma persona. Es más, opino que debería ser así. Lo que sucede es que el reglamento dice otra cosa en su artículo 3. Entonces, si se hacen las reglas para no cumplirlas... todo mal. Creo que deberían eliminar esa parte y chau problema.
Conozco a toda la gente de la Agencia y ellos me conocen. No hay nada personal ni en contra de la Agencia ni en contra de ningún hacedor de teatro. Simplemente pido que se cumpla lo que está escrito. Eso es todo.
Hoy se entregan los Premios. Allí estaré, aplaudiendo a los ganadores.
Conozco a toda la gente de la Agencia y ellos me conocen. No hay nada personal ni en contra de la Agencia ni en contra de ningún hacedor de teatro. Simplemente pido que se cumpla lo que está escrito. Eso es todo.
Hoy se entregan los Premios. Allí estaré, aplaudiendo a los ganadores.
19 oct 2007
No hay duda
La Duda. ¡Al fin buen teatro de prosa en Córdoba!En una Córdoba saturada de teatro "para teatreros", celebramos el estreno de una obra de texto con todas las letras: La duda, de John P. Shanley, protagonizada por Fabián Vena y Gabriela Toscano. Ganadora del Pulitzer a mejor drama y de varios premios Tonys en Broadway, la obra gira en torno a la acusación de abuso de menores que una monja hace caer sobre un párroco. Intenso conflicto moral, religioso y social, La Duda sube a escena del Teatro Real de la mano del director (y esposo de Toscano) Carlos Rivas, responsable también de La Prueba, otro recordado éxito de Broadway (que pudimos apreciar en el Comedia). Sin temor a equivocaciones, la joya del fin de semana.
17 oct 2007
El Festival fue.
Por Hernán Espinosa
Convergence 1.0. la joya del FestivalTerminó el Festival del Mercosur 2007. Un éxito total.
Mal por los cortes de luz, que demoraron muchos comienzos de obra.
Bien por la gente que aguantó todo.
Mal por las obras que solo dieron una función.
Bien por la organización.
Mal por la inauguración en el Buen Pastor (un verdadero bodrio).
Bien por el clima.
La mejor obra que vi: Convergence 1.0 (Francia). Simplemente mágica, atrapante, elegante. Un placer.
La peor obra que vi: De penitencias y autopsias. Los que hayan visto 57 camas de Dinamarca en el Festival del 2005, habrán encontrado parecidos entre los jugadores encerrados en el Hospital Español y los penitentes ávidos de contar sus historias. O sea, nada nuevo ni original. Y además, ¿había necesidad de incluir la morgue como escenario? El mal gusto, presente.
Mal por los cortes de luz, que demoraron muchos comienzos de obra.
Bien por la gente que aguantó todo.
Mal por las obras que solo dieron una función.
Bien por la organización.
Mal por la inauguración en el Buen Pastor (un verdadero bodrio).
Bien por el clima.
La mejor obra que vi: Convergence 1.0 (Francia). Simplemente mágica, atrapante, elegante. Un placer.
La peor obra que vi: De penitencias y autopsias. Los que hayan visto 57 camas de Dinamarca en el Festival del 2005, habrán encontrado parecidos entre los jugadores encerrados en el Hospital Español y los penitentes ávidos de contar sus historias. O sea, nada nuevo ni original. Y además, ¿había necesidad de incluir la morgue como escenario? El mal gusto, presente.
14 oct 2007
Parte de Broadway
Estas son algunas de las primeras imágenes de La Sirenita, el nuevo musical de Disney que comienza las previas el 3 de noviembre y estrena oficialmente en diciembre. La compañía espera que se convierta en un gran éxito, dejando atrás el mal trago que les hizo pasar la malograda versión teatral de Tarzán.
9 sept 2007
Ella también...
Cecilia Pastawski (arrodillada)7 sept 2007
Cordobeses en Buenos Aires
Santiago Bürgi
Rakhal HerreroDos artículos aparecidos hoy en La Nación nombran y fotografían a dos artistas cordobeses talentosísimos (aunque no aclaran que son cordobeses) en dos disciplinas tan disímiles como son la ópera y la danza-teatro.
El primero es Santiago Bürgi, 25 años, un tenor portentoso, protagoniza La hora española, de Ravel, ópera que sube a escena hoy en el porteño Teatro Avenida. Me alegra mucho que mi amigo Santiago esté donde esté, ya que debutó en Córdoba conmigo, protagonizando Frankenstein, el musical en su versión original del 2002.
El otro cordobés es Rakhal Herrero, a quien no conozco personalmente, pero a quien admiro profesionalmente. Su último trabajo aquí fue Snake vs Aquiles, que me voló la cabeza. Rakhal está participando de la obra Patiecito, patiecito a la cual La Nación calificó de "muy buena".
Bravo por los dos.
Acá los links:
Santiago Bürgi
Rakhal Herrero
El primero es Santiago Bürgi, 25 años, un tenor portentoso, protagoniza La hora española, de Ravel, ópera que sube a escena hoy en el porteño Teatro Avenida. Me alegra mucho que mi amigo Santiago esté donde esté, ya que debutó en Córdoba conmigo, protagonizando Frankenstein, el musical en su versión original del 2002.
El otro cordobés es Rakhal Herrero, a quien no conozco personalmente, pero a quien admiro profesionalmente. Su último trabajo aquí fue Snake vs Aquiles, que me voló la cabeza. Rakhal está participando de la obra Patiecito, patiecito a la cual La Nación calificó de "muy buena".
Bravo por los dos.
Acá los links:
Santiago Bürgi
Rakhal Herrero
6 sept 2007
Premios dudosos...
La Agencia Córdoba Cultura otorga los Premios estímulo a Jóvenes Creadores en distintas disciplinas artísticas y en el artículo 3 de su reglamento indica expresamente: "Cada participante podrá concursar en un solo rubro y especialidad". Sin embargo, fuentes muy confiables me informaron que, por lo menos en teatro, este año hay postulantes que habrían hecho caso omiso al mencionado artículo y se habrían presentado a más de una categoría... Fea la actitud (del chancho y de quien le da de comer).
PD:¿"Especialidad" o "disciplina"? Al reglamento parece no importarle la claridad en los conceptos, ya que en sus disposiciones generales, comienza utilizando el primero. Pero luego, en los apartados específicos, se refiere a las "disciplinas"...
PD2: En este link van a encontrar otros "incovenientes" con este Premio.
PD:¿"Especialidad" o "disciplina"? Al reglamento parece no importarle la claridad en los conceptos, ya que en sus disposiciones generales, comienza utilizando el primero. Pero luego, en los apartados específicos, se refiere a las "disciplinas"...
PD2: En este link van a encontrar otros "incovenientes" con este Premio.
2 sept 2007
Un "Rent " onda Miranda!
Este es el elenco de la nueva versión de Rent, la famosa ópera-rock estrenada en 1996 que logró hacer simbrar a Broadway, así como ahora lo hace Spring Awakening. Esta nueva aproximación está dirigida por William Baker, manager artístico de Kyle Minogue, quien aseguró que, así como la versión original apuntaba a la generación MTV, esta vez el target es la "generación ipod". Las orquestaciones se alejarán de las guitarras eléctricas y buscarán un sonido más pop. Más info: www.myspace.com/rentremixed
30 ago 2007
TALLER
NO ES UN TALLER DE TEATRO...
TAMPOCO DE CANTO...
PERO INCLUYE A LOS DOS...
TALLER DE INTERPRETACIÓN EN COMEDIA MUSICAL
Dictado por Hernán Espinosa (director de Frankenstein, el musical y Cumbres Borrascosas, ópera-rock)
Dirigido a cantantes de cualquier edad con o sin experiencia
Programa:
-Introducción general al teatro musical (orígenes, diferencias y similitudes con la ópera, evolución y variantes)
-La música como generadora de sentimiento
-El sentimiento como base interpretativa
-La interpretación: eje de la actuación en comedia musical
-Técnicas teatrales aplicadas al canto
-Análisis textual (la canción que profundiza un personaje, la canción que avanza la acción, letras, etc.)
-Dramatización de canciones
-Muestra final
Clases teóricas y prácticas, trabajos individuales y grupales, apoyo con material gráfico y audiovisual, invitados especiales.
SÁBADOS DE 11 A 13 HS.
CPC COLÓN (Av. Colón 5300)
Cuota mensual: $25
Duración: tres meses a partir del sábado 8 de setiembre
TAMPOCO DE CANTO...
PERO INCLUYE A LOS DOS...
TALLER DE INTERPRETACIÓN EN COMEDIA MUSICAL
Dictado por Hernán Espinosa (director de Frankenstein, el musical y Cumbres Borrascosas, ópera-rock)
Dirigido a cantantes de cualquier edad con o sin experiencia
Programa:
-Introducción general al teatro musical (orígenes, diferencias y similitudes con la ópera, evolución y variantes)
-La música como generadora de sentimiento
-El sentimiento como base interpretativa
-La interpretación: eje de la actuación en comedia musical
-Técnicas teatrales aplicadas al canto
-Análisis textual (la canción que profundiza un personaje, la canción que avanza la acción, letras, etc.)
-Dramatización de canciones
-Muestra final
Clases teóricas y prácticas, trabajos individuales y grupales, apoyo con material gráfico y audiovisual, invitados especiales.
SÁBADOS DE 11 A 13 HS.
CPC COLÓN (Av. Colón 5300)
Cuota mensual: $25
Duración: tres meses a partir del sábado 8 de setiembre
26 ago 2007
¿Y si pa` Chile me voy...?
No me importan las razones de por qué Chile está mejor que Argentina. La verdad es que está mejor. Y en el terreno cultural, ya en el verano me había dado cuenta, cuando me hubiera encantado asistir al espléndido Festival de teatro "Santiago a Mil".
Ahora, otro festival me hace repetir la angustia de estar aquí. Se trata del "6to Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea", que tiene la genial idea de acercar los textos actuales del Viejo Continente bajo la mirada de directores y actores locales (chilenos, claro). Para espiar (y envidiar): click aquí.
PD1: Y cuando hablo de envidia, no es de la "sana", esa no existe: la envidia es enferma siempre.
PD2: Adelanto de una próxima entrada: ¿por qué el Festival Internacional de Bs As, que empieza el 4 de setiembre, hace dos meses que ya tiene, no solo lista, sino hasta IMPRESA la programación, y el del Mercosur recién está recibiendo propuestas locales...?
Logo del Festival
Ahora, otro festival me hace repetir la angustia de estar aquí. Se trata del "6to Festival de Dramaturgia Europea Contemporánea", que tiene la genial idea de acercar los textos actuales del Viejo Continente bajo la mirada de directores y actores locales (chilenos, claro). Para espiar (y envidiar): click aquí.
PD1: Y cuando hablo de envidia, no es de la "sana", esa no existe: la envidia es enferma siempre.
PD2: Adelanto de una próxima entrada: ¿por qué el Festival Internacional de Bs As, que empieza el 4 de setiembre, hace dos meses que ya tiene, no solo lista, sino hasta IMPRESA la programación, y el del Mercosur recién está recibiendo propuestas locales...?
Logo del Festival23 ago 2007
"Ni siquiera somos peligrosos", "Mi Bello Dragón" y "Drácula"
Por Hernán Espinosa
Actualizo mi querida Ratonera después de los hechos de público conocimiento que me afectaron.
Mi primera "aparición en público" fue cuando fui a ver Ni siquiera somos peligrosos, en la sala Quinto Deva. Por alguna extraña razón, siempre me cuesta acordarme del nombre de esta obra. Lo tengo como borrado de mi mente. Negado diría yo. Ahhh, si uno pudiera hacer eso con los recuerdos... El primero que borraría sería el de esta obra. La idea de Oscar Rojo es original e interesante, eso hay que reconocerlo: todo el texto está conformado por artículos de la constitución nacional y leyes nacionales, tratados, etc. Los actores los dicen, los cantan (?), los actúan. Pero hasta allí llega la anécdota. No hay nada más. Conclusión: estoy cansado de ver obras en la que no entiendo cual es el mensaje (¿hay mensaje?). Estoy cansado de que me tomen el pelo en el nombre del arte y del teatro. Estoy cansado de desperdiciar mi tiempo y mi dinero en fantochadas como éstas. Lo mejor que tiene la obra: el diseño gráfico.
Actualizo mi querida Ratonera después de los hechos de público conocimiento que me afectaron.
Mi primera "aparición en público" fue cuando fui a ver Ni siquiera somos peligrosos, en la sala Quinto Deva. Por alguna extraña razón, siempre me cuesta acordarme del nombre de esta obra. Lo tengo como borrado de mi mente. Negado diría yo. Ahhh, si uno pudiera hacer eso con los recuerdos... El primero que borraría sería el de esta obra. La idea de Oscar Rojo es original e interesante, eso hay que reconocerlo: todo el texto está conformado por artículos de la constitución nacional y leyes nacionales, tratados, etc. Los actores los dicen, los cantan (?), los actúan. Pero hasta allí llega la anécdota. No hay nada más. Conclusión: estoy cansado de ver obras en la que no entiendo cual es el mensaje (¿hay mensaje?). Estoy cansado de que me tomen el pelo en el nombre del arte y del teatro. Estoy cansado de desperdiciar mi tiempo y mi dinero en fantochadas como éstas. Lo mejor que tiene la obra: el diseño gráfico.
"Ni siquiera somos peligrosos". ¿Están seguros...?El grupo El Grito Teatro se animó a producir una comedia musical infantil con todas las de la ley: Mi Bello Dragón, la simpática obra de Enrique Pinti. Un vistoso vestuario y sólidas actuaciones son los puntos sobresalientes de esta propuesta que logra enganchar a chicos y grandes por igual. Tal vez habría que señalar que la escenografía no es del todo práctica o convincente o que el hada ventolina es un tanto chillona, pero son detalles menores si se tiene en cuenta que Mi Bello Dragón se da el gusto de tener a 14 artistas en escena cantando en vivo (menos los coros, que van grabados) y de ostentar un despliegue que va a contrapelo de todo el teatro infantil cordobés (y de más allá). Sabemos que por estos días debutan en el Teatro del Lago de Carlos Paz, y merecen ir aún por más.
"Mi Bello Dragón", con un despliegue atípico en infantiles cordobeses.
El sábado pasado se produjo la vuelta de Drácula, el musical de Pepe Cibrián Campoy, esta vez en el Orfeo Superdomo (el Comedia no estaba, digamos, disponible...). Juan Rodó es dueño de un porte inimitable (por algo sigue calzándose los colmillos hace ya 15 años) y una voz que impresiona como pocas. Pero no se encuentra muy bien secundado. No es el mejor elenco de todas las versiones que pude ver, para nada. Y aunque se vean más actores en escena que otras veces (siempre que sale de gira, Cibrián acostumbra a traer versiones "devaluadas" de sus obras), aún hay detalles de la escenografía que se extrañan (la cama del Conde en el famoso Dúo Mina-Drácula, por ejemplo). Pero qué se le va a hacer: una vez más, el revoleo de las capas aterciopeladas, los pomposos vestidos palaciegos (de muy mal gusto en colores y adornos, por cierto), las incontables luces robóticas y el siempre presente (SIEMPRE) humo, cumplieron con su objetivo: impactar.-
"Drácula, el musical", con escenografía que no se vio en el Orfeo.
"Mi Bello Dragón", con un despliegue atípico en infantiles cordobeses.El sábado pasado se produjo la vuelta de Drácula, el musical de Pepe Cibrián Campoy, esta vez en el Orfeo Superdomo (el Comedia no estaba, digamos, disponible...). Juan Rodó es dueño de un porte inimitable (por algo sigue calzándose los colmillos hace ya 15 años) y una voz que impresiona como pocas. Pero no se encuentra muy bien secundado. No es el mejor elenco de todas las versiones que pude ver, para nada. Y aunque se vean más actores en escena que otras veces (siempre que sale de gira, Cibrián acostumbra a traer versiones "devaluadas" de sus obras), aún hay detalles de la escenografía que se extrañan (la cama del Conde en el famoso Dúo Mina-Drácula, por ejemplo). Pero qué se le va a hacer: una vez más, el revoleo de las capas aterciopeladas, los pomposos vestidos palaciegos (de muy mal gusto en colores y adornos, por cierto), las incontables luces robóticas y el siempre presente (SIEMPRE) humo, cumplieron con su objetivo: impactar.-
"Drácula, el musical", con escenografía que no se vio en el Orfeo.11 jun 2007
Haciendo historia
El musical "Spring Awakening",que trata el despertar sexual en una Alemania reprimida, con música de rock, resultó ser el gran elegido del jurado de los Tony. Este show fue el gran ganador de la noche y se llevó ocho estatuillas, incluyendo el premio mas importante: mejor musical. También fue reconocido por su libreto, sus canciones, su dirección, coreografía, iluminación, orquestación y actuación de reparto en musical.
7 jun 2007
Shrek al teatro
La famosa película del Ogro verde y el burro simpático, cuya tercera parte ya ha batido records de taquilla en USA, se continúa con la preparación de su versión musical en Broadway. Los encargados de llevarlos al escenario son la productora de cine Dreamworks y la productora de teatro Neal Street Production (en cuya dirección se encuentra Sam Mendez). Están planeando las primeras lecturas para finales de Julio y su estreno para el 2008.
4 jun 2007
Una vergüenza
Este fin de semana se suspendieron las funciones de Romeo y Julieta en el Real. ¿La razón? Uno de los protagonistas pidió carpeta médica. Gabriel Coba, para ser más precisos, nada menos que el propio Romeo. Eso es normal. El chico es humano y puede enfermarse (y no sean socarrones, no es que se enfrió por el desnudo que hace al final... creo).
Lo que no es normal es que no exista un reemplazo, cover, alternante, suplente o como quieran llamarlo. A ver, la Comedia Cordobesa es un cuerpo estable oficial, formado por actores concursados que marcan tarjeta, pues a fin de mes reciben un sueldo. Es decir, un grupo profesional, no un grupo independiente donde a gatas que se llega a cobrar cincuenta pesos por función (en el mejor de los casos) y donde no está prevista la preparación de un suplente que salve las papas en el momento. Pero tratándose de un cuerpo oficial... Es indignante.
Yo digo: si no hay dentro de la Comedia otros actores cuya edad concuerde con la del adolescente italiano, ¿por qué no buscaron en el Seminario Jolie Libois, el tan mentado "semillero"? O en su defecto, en la Roberto Arlt, también dependiente de la provincia. O actores independientes, tal vez.
La conclusión es triste: el Real puede haber cambiado la fachada (y luce espléndido); pero parece que hay cosas que jamás cambiarán.
PD: cuando ví esta foto me alegré, pensando que era el reemplazo de Romeo. Pero no. Es un actor del musical francés Roméo et Juliette, que luce un vestuario muuuuuuy parecido al del Romeo cordobés.
Lo que no es normal es que no exista un reemplazo, cover, alternante, suplente o como quieran llamarlo. A ver, la Comedia Cordobesa es un cuerpo estable oficial, formado por actores concursados que marcan tarjeta, pues a fin de mes reciben un sueldo. Es decir, un grupo profesional, no un grupo independiente donde a gatas que se llega a cobrar cincuenta pesos por función (en el mejor de los casos) y donde no está prevista la preparación de un suplente que salve las papas en el momento. Pero tratándose de un cuerpo oficial... Es indignante.
Yo digo: si no hay dentro de la Comedia otros actores cuya edad concuerde con la del adolescente italiano, ¿por qué no buscaron en el Seminario Jolie Libois, el tan mentado "semillero"? O en su defecto, en la Roberto Arlt, también dependiente de la provincia. O actores independientes, tal vez.
La conclusión es triste: el Real puede haber cambiado la fachada (y luce espléndido); pero parece que hay cosas que jamás cambiarán.
PD: cuando ví esta foto me alegré, pensando que era el reemplazo de Romeo. Pero no. Es un actor del musical francés Roméo et Juliette, que luce un vestuario muuuuuuy parecido al del Romeo cordobés.
27 may 2007
Sobre la crítica
A raíz de los airados comentarios recibidos últimamente en este blog, publico a continuación fragmentos de una nota aparecida hoy en el diario La Nación, firmada por el periodista Pablo Sirvén, que concuerda plenamente con mis criterios a la hora de comentar un espectáculo y sobre las reacciones de los criticados (sobre todo la parte en que dice que a los que se los critica bien nunca se exaltan como lo hacen cuando se los critica mal...)
"A nadie le gusta que lo critiquen, y eso es natural. Pero saber aceptar o resistir una crítica civilizadamente, sin que se desaten nuestros demonios internos, es un buen signo de tolerancia que, lamentablemente, pocas veces se aprecia.
Un buen parámetro de salud democrática de una sociedad, precisamente, depende de su capacidad para aceptar de buen grado las críticas que puedan hacerse miembros de la misma entre sí sin perder los buenos modales ni declararse la guerra.
(...)
Así como a nadie le gusta que lo critiquen, de los excesos en que pudiese incurrir un exagerado "excelente" no hay reclamo por parte de quien lo recibe por una cuestión más que obvia: favorece y prestigia (aunque es como quedarse con un vuelto mal dado).
En el extremo contrario, el "malo" casi nunca es recibido en silencio como un humilde reconocimiento de las propias falencias, condición indispensable para enmendar los errores (...)"
Texto completo aquí.
"A nadie le gusta que lo critiquen, y eso es natural. Pero saber aceptar o resistir una crítica civilizadamente, sin que se desaten nuestros demonios internos, es un buen signo de tolerancia que, lamentablemente, pocas veces se aprecia.
Un buen parámetro de salud democrática de una sociedad, precisamente, depende de su capacidad para aceptar de buen grado las críticas que puedan hacerse miembros de la misma entre sí sin perder los buenos modales ni declararse la guerra.
(...)
Así como a nadie le gusta que lo critiquen, de los excesos en que pudiese incurrir un exagerado "excelente" no hay reclamo por parte de quien lo recibe por una cuestión más que obvia: favorece y prestigia (aunque es como quedarse con un vuelto mal dado).
En el extremo contrario, el "malo" casi nunca es recibido en silencio como un humilde reconocimiento de las propias falencias, condición indispensable para enmendar los errores (...)"
Texto completo aquí.
20 may 2007
Lo que me costó el amor de Paula
Anoche completé la trilogía de Manuel González Gil, es decir, ví el último espectáculo que me faltaba de los egresados de su escuela , por lo menos de los más activos. Y debo decir que Me duele una mujer destronó del primer puesto a Más respeto que soy tu madre. ¿Por qué? Porque tiene un vuelo poético que ésta última no tiene, porque la teatralidad se deja percibir más y porque va más allá de un simple retrato de nuestra sociedad. Ya que si bien Me duele... describe un amor desesperado a la argentina, Sánchez puede ser encontrado en Lisboa, Bogotá, Pekín o en cualquier ciudad donde un hombre ame a una mujer (y la pierda).
A través de un magnífico texto (cuya autoría no figura en el programa de mano, lo que parece a estas alturas ser la marca distintiva de la "escuela del Comedia"), el espectador es conducido gratamente por una galería de sensaciones que lo hace sentir partícipe, identificado, cómodo y emocionado.
Claro que esto es posible gracias a la altura dramática del grupo de intérpretes en su conjunto. Un hallazgo total lo constituye Fernando Ponce de León en su rol de Miguel, el desdichado profesor de filosofía que no puede vivir sin su amada Paula. Perfecta dicción, claridad gestual, compromiso emocional y un don innato para el humor, son las cualidades con las que este actor magnetiza a un público que sigue fanáticamente las desventuras del pobre Miguel.
El señor Ponce de León se encuentra correctamente secundado por Emilio Mazzuco y Matías Benedetti, quienes funcionan como una especie de alter-ego de Miguel, sus amigos (¿imaginarios?) inseparables, el ángel y el demonio que todos llevamos dentro. Mientras que el señor Mazzuco aporta el desenfado y el humor a los que ya nos tiene acostumbrados (recordar el Nono de Más respeto...), Benedetti imprime aires de seriedad, mesura y, en un pasaje, juvenil romanticismo con la misma dosis de soltura, presencia y buena emisión de la voz.
El terapeuta a cargo de Eduardo Ferreyra es antológico y tanto Rosario Puccio (Paula) como Noelia Bravo Herrera (modelo) se muestran modestas histriónicamente en los papeles de menor lucimiento de la obra.
No podemos pasar por alto las bienvenidas intervenciones musicales a cargo de la aterciopelada v sentida voz de Rufo Cruz y dos eximios bailarines de tango cuyo nombres no retuve (ya que fueron anunciados antes de comenzar la función), quienes, sumados a un más que prolijo diseño de luces, completan un espectáculo típico del mejor González Gil, ése de la inovildable El Diario de Adán y Eva . Me duele una mujer puede ser considerada, en suma, como una cálida y amena declaración de amor. Ideal para parejas...
A través de un magnífico texto (cuya autoría no figura en el programa de mano, lo que parece a estas alturas ser la marca distintiva de la "escuela del Comedia"), el espectador es conducido gratamente por una galería de sensaciones que lo hace sentir partícipe, identificado, cómodo y emocionado.
Claro que esto es posible gracias a la altura dramática del grupo de intérpretes en su conjunto. Un hallazgo total lo constituye Fernando Ponce de León en su rol de Miguel, el desdichado profesor de filosofía que no puede vivir sin su amada Paula. Perfecta dicción, claridad gestual, compromiso emocional y un don innato para el humor, son las cualidades con las que este actor magnetiza a un público que sigue fanáticamente las desventuras del pobre Miguel.
El señor Ponce de León se encuentra correctamente secundado por Emilio Mazzuco y Matías Benedetti, quienes funcionan como una especie de alter-ego de Miguel, sus amigos (¿imaginarios?) inseparables, el ángel y el demonio que todos llevamos dentro. Mientras que el señor Mazzuco aporta el desenfado y el humor a los que ya nos tiene acostumbrados (recordar el Nono de Más respeto...), Benedetti imprime aires de seriedad, mesura y, en un pasaje, juvenil romanticismo con la misma dosis de soltura, presencia y buena emisión de la voz.
El terapeuta a cargo de Eduardo Ferreyra es antológico y tanto Rosario Puccio (Paula) como Noelia Bravo Herrera (modelo) se muestran modestas histriónicamente en los papeles de menor lucimiento de la obra.
No podemos pasar por alto las bienvenidas intervenciones musicales a cargo de la aterciopelada v sentida voz de Rufo Cruz y dos eximios bailarines de tango cuyo nombres no retuve (ya que fueron anunciados antes de comenzar la función), quienes, sumados a un más que prolijo diseño de luces, completan un espectáculo típico del mejor González Gil, ése de la inovildable El Diario de Adán y Eva . Me duele una mujer puede ser considerada, en suma, como una cálida y amena declaración de amor. Ideal para parejas...
14 may 2007
Las chicas solo quieren divertirse
El sábado pasado asistí a una función de Especie Hombres, segunda obra que veo de los egresados de la escuela de teatro de Manuel González Gil (la primera fue la excelente Más respeto que soy tu madre, mi comentario aquí). El auditorio de Galileo en Villa Belgrano estaba repleto de ese público tan particular, target ABC1, propio de la zona, y en su mayoría entusiastas amigos y familiares de las jóvenes egresadas.
Y "egresadas" es el término que mejor cuadra porque el tono imperante durante toda la noche fue el propio de una obra de fin de curso de algún colegio secundario (también target ABC1), ya sea por la energía y entrega que se notó en escena, como así también por las imprecisiones que Especie Hombres puso en evidencia. Esto último, sobre todo, en el rubro coreográfico, donde son necesarias muchas más horas de ensayo y concentración para no cometer tantas desprolijidades de coordinación (basta con ver esta foto).
A nivel actoral, si bien las nueve intérpretes conforman un grupo desparejo, logran su mejor ensamblaje en el excelente cuadro de "Ramón", que hace las delicias del público. Público que, por otra parte, insiste en aplaudir los finales de las canciones que las señoritas no cantan, sino que hacen que cantan, en un más que imperfecto e irrepestuoso play-back. Para atreverse a un music-hall, señores, hay que dominar la actuación, el baile y el canto EN VIVO. No basta con calzarse glamorosos chalecos o garabatear con un sombrero de copa y un bastón.
Es de lamentar, también, que la "escuela del Comedia" no haya incluido en su currícula la materia "Cómo hacer un programa de mano". Si bien el de Especie Hombres es más completo que el de Más respeto..., aún encontramos olvidos imperdonables. Por ejemplo, sería interesante enterarnos que la obra en cuestión fue creada bajo el nombre de Hombres! por la Companya T de Teatre de Catalunia, que Manuel González Gil compró los derechos, la adaptó a music-hall y la estrenó en Buenos Aires en 2005 con Georgina Barbarossa, Claribel Medina, entre otras. O que el compositor de la música es Martín Bianchedi, etc.
Claro que esta información puede resultarle indiferente a un público que se contenta con celebrar cada dardo lanzado desde el escenario al género masculino (género que, dicho sea de paso, no necesita hacer una obra titulada ."Especie mujeres"... simplemente porque no somos acomplejados...).
A nivel actoral, si bien las nueve intérpretes conforman un grupo desparejo, logran su mejor ensamblaje en el excelente cuadro de "Ramón", que hace las delicias del público. Público que, por otra parte, insiste en aplaudir los finales de las canciones que las señoritas no cantan, sino que hacen que cantan, en un más que imperfecto e irrepestuoso play-back. Para atreverse a un music-hall, señores, hay que dominar la actuación, el baile y el canto EN VIVO. No basta con calzarse glamorosos chalecos o garabatear con un sombrero de copa y un bastón.
Es de lamentar, también, que la "escuela del Comedia" no haya incluido en su currícula la materia "Cómo hacer un programa de mano". Si bien el de Especie Hombres es más completo que el de Más respeto..., aún encontramos olvidos imperdonables. Por ejemplo, sería interesante enterarnos que la obra en cuestión fue creada bajo el nombre de Hombres! por la Companya T de Teatre de Catalunia, que Manuel González Gil compró los derechos, la adaptó a music-hall y la estrenó en Buenos Aires en 2005 con Georgina Barbarossa, Claribel Medina, entre otras. O que el compositor de la música es Martín Bianchedi, etc.
Claro que esta información puede resultarle indiferente a un público que se contenta con celebrar cada dardo lanzado desde el escenario al género masculino (género que, dicho sea de paso, no necesita hacer una obra titulada ."Especie mujeres"... simplemente porque no somos acomplejados...).
11 may 2007
Julieta debe morir
Ayer fui a ver Romeo y Julieta, a cargo de la Comedia Cordobesa. Tanta mala fama le habían hecho que fui con las peores expectativas. Y la verdad que no era para tanto.
Pero me quedó gusto a desabrido. Nunca me emocionó, en ningún momento. No es que me haya aburrido. Al contrario, la puesta de Omar Viale es súper ágil, tanto por el vertiginoso desplazamiento de los actores sobre el escenario, como por la concatenación entre escena y escena. La atención no decae en ningún momento (nótese que dije "atención" y no "tensión", la cual, como la emoción, no fue tenida en cuenta en esta propuesta).
A esto apunta sin duda la liviana versión de Mauricio Kartún (demasiado liviana para mi gusto...) y el acento expreso en los pasajes cómicos, que los hay y muchos. Y aquí, a mí entender, surge otro problema. Viale no supo manejar ese límite sutil entre lo cómico y lo trágico que tanto caracteriza a Shakespeare. A ver: acierta en provocar risas en tramos que tradicionalmente no están destinados a eso. Y esto es una virtud, ya que aporta una mirada fresca, una revisión, si se quiere del texto. El problema recae en que si al espectador lo acostumbrás a que se ría verso a verso, en los momentos en que la tragedia llega y ya no hay lugar para las risas, el público, engolosinado, se te ríe, y la dimensión trágica de la obra desaparece. La gente le busca el chiste a todo. Y no hay que culparla; al fin y al cabo, le estuviste dando risas desde el principio...
Y esto no ocurre sólo en la aproximación que Viale hace del texto, si no también en sus criaturas: el Conde Paris aparece aquí retratado como un idiota, tímido, torpe, que tartamudea y le cuesta expresarse. Se entiende que se ha querido acentuar el contraste con Romeo. Pero en la escena final, en el mausoleo de los Capuletos, cuesta reconocer a Paris: la voz se le ha tornado enérgica y grave, el tartamudeo desapareció, y hasta se le anima en un duelo de esgrima a Romeo. El primer Paris funciona en las primeras apariciones, pero no mantener el personaje hasta el final es un desacierto imperdonable.
Los amantes de Verona en en Real
Como es imperdonable también Cecilia Román Ross como Julieta, quien directamente escupe el texto y lo peor es que lo hace con un insufrible "cantito", alejando toda posibilidad de que el espectador se encariñe con ella. Claro que esto no es un defecto sólo de la señorita Roman Ross; ¿cuándo escucharemos textos clásicos dichos de forma natural y no como si estuvieramos leyendo poesía?
Gabriel Coba conquista por la ternura y la inflamación adolescente que le imprime a este Romeo que es pura hormona (pasar de la obsesión por Rosalinda a Julieta en un segundo no es defecto dramatúrgico del genial William, como han querido apuntar muchos, sino que muestra lo voluble que son los teens en todas las épocas).
Pero sin dudas las dos estrellas de la obra son Alvin Astorga como el Fray Lorenzo y Ana María Tenaglia en el rol de la nodriza. A ellos se les cree todo. Da la impresión de que no se han aprendido los textos, tal es la naturalidad con la que los expresan. Un placer verlos actuar. También se destacan Pablo Tolosa y Adrián Azaceta en los papeles de Benvolio y Mercucio, mostrándose frescos y desenvueltos.
La escenografía de Gulia Petrucci es ingeniosa y multiuso, si bien un poco fría y "ruidosa". El vestuario, a cargo de la misma Petrucci, es francamente pobre: los actores, sobre todo los varones, se ven incómodos con sus prendas, confeccionadas no con las más acertadas telas, haciéndolos lucir acartonados. Si a esto le sumamos el inexplicable aplique de tachas, la imagen de "robots" es la que más se les acerca. El peor trago se lo lleva Giovanni Quiroga como el príncipe, quien parece exportado sin escalas de un boliche gay.
La música de Diego Mihlager no acompaña y no es agradable al oído. Y el aporte del Seminario de Danzas de la provincia pasa desapercibido.
Pero me quedó gusto a desabrido. Nunca me emocionó, en ningún momento. No es que me haya aburrido. Al contrario, la puesta de Omar Viale es súper ágil, tanto por el vertiginoso desplazamiento de los actores sobre el escenario, como por la concatenación entre escena y escena. La atención no decae en ningún momento (nótese que dije "atención" y no "tensión", la cual, como la emoción, no fue tenida en cuenta en esta propuesta).
A esto apunta sin duda la liviana versión de Mauricio Kartún (demasiado liviana para mi gusto...) y el acento expreso en los pasajes cómicos, que los hay y muchos. Y aquí, a mí entender, surge otro problema. Viale no supo manejar ese límite sutil entre lo cómico y lo trágico que tanto caracteriza a Shakespeare. A ver: acierta en provocar risas en tramos que tradicionalmente no están destinados a eso. Y esto es una virtud, ya que aporta una mirada fresca, una revisión, si se quiere del texto. El problema recae en que si al espectador lo acostumbrás a que se ría verso a verso, en los momentos en que la tragedia llega y ya no hay lugar para las risas, el público, engolosinado, se te ríe, y la dimensión trágica de la obra desaparece. La gente le busca el chiste a todo. Y no hay que culparla; al fin y al cabo, le estuviste dando risas desde el principio...
Y esto no ocurre sólo en la aproximación que Viale hace del texto, si no también en sus criaturas: el Conde Paris aparece aquí retratado como un idiota, tímido, torpe, que tartamudea y le cuesta expresarse. Se entiende que se ha querido acentuar el contraste con Romeo. Pero en la escena final, en el mausoleo de los Capuletos, cuesta reconocer a Paris: la voz se le ha tornado enérgica y grave, el tartamudeo desapareció, y hasta se le anima en un duelo de esgrima a Romeo. El primer Paris funciona en las primeras apariciones, pero no mantener el personaje hasta el final es un desacierto imperdonable.
Los amantes de Verona en en RealComo es imperdonable también Cecilia Román Ross como Julieta, quien directamente escupe el texto y lo peor es que lo hace con un insufrible "cantito", alejando toda posibilidad de que el espectador se encariñe con ella. Claro que esto no es un defecto sólo de la señorita Roman Ross; ¿cuándo escucharemos textos clásicos dichos de forma natural y no como si estuvieramos leyendo poesía?
Gabriel Coba conquista por la ternura y la inflamación adolescente que le imprime a este Romeo que es pura hormona (pasar de la obsesión por Rosalinda a Julieta en un segundo no es defecto dramatúrgico del genial William, como han querido apuntar muchos, sino que muestra lo voluble que son los teens en todas las épocas).
Pero sin dudas las dos estrellas de la obra son Alvin Astorga como el Fray Lorenzo y Ana María Tenaglia en el rol de la nodriza. A ellos se les cree todo. Da la impresión de que no se han aprendido los textos, tal es la naturalidad con la que los expresan. Un placer verlos actuar. También se destacan Pablo Tolosa y Adrián Azaceta en los papeles de Benvolio y Mercucio, mostrándose frescos y desenvueltos.
La escenografía de Gulia Petrucci es ingeniosa y multiuso, si bien un poco fría y "ruidosa". El vestuario, a cargo de la misma Petrucci, es francamente pobre: los actores, sobre todo los varones, se ven incómodos con sus prendas, confeccionadas no con las más acertadas telas, haciéndolos lucir acartonados. Si a esto le sumamos el inexplicable aplique de tachas, la imagen de "robots" es la que más se les acerca. El peor trago se lo lleva Giovanni Quiroga como el príncipe, quien parece exportado sin escalas de un boliche gay.
La música de Diego Mihlager no acompaña y no es agradable al oído. Y el aporte del Seminario de Danzas de la provincia pasa desapercibido.
9 may 2007
Estas obras ví ultimamente
"Los que no fuimos". Excelente.La primera que ví en este año fue Patagonia, corral de estrellas en El Cuenco, de Alejandro Finzi, dirigida por Sergio Ossés y protagonizada por Juan Carlos Luna y Virginia Cardoso. El fiasco de mi vida (bueno, uno de tantos...). De Ossés ví Seis personajes en busca de autor y Tres de corazón, las cuales me habían encantado. Pero Patagonia... me aburrió soberanamente. Tiene algunas imágenes realmente muy bellas, pero no alcanza. Juan Luna intenta aportarle matices a su Antoine de Saint-Exupery. Pero solo eso. Intenta. Y la señora Cardoso no hace más que aumentar el tedio con una declamación exasperante y artificiosa (claro, me dirán, si es el viento...). Encima me sentí muy incómodo porque en El Cuenco te cierran la puerta de entrada con llave. No me pude levantar e irme. Este es el tipo de teatro que espanta a la gente. Perdónenme, es que soy muy bruto y no entiendo estas propuestas. Lo peor es que hay muchos brutos como yo allá afuera, pero no se animan a decirlo.
Por suerte, a la semana siguiente me deleité con Los que no fuimos, de Paco Giménez. Debo confesar que el teatro "del Paco" nunca me atrajo. Verdaderamente no entiendo a qué se debe taaaanto reconocimiento. Lo repito: soy muy bruto. Pero esta obra me apasionó. Primera vez que no me molesta la tonada cordobesa en escena. Las actuaciones excelentes, el uso del espacio muy bien aprovechado, el diseño de luces ajustado . Pero lo mejor: la banda sonora. Emocionante, angustiante a veces, conmovedora siempre. Un espectáculo altamente recomendable.
Terminé la semana pum para arriba cuando el lunes ví en el Cineclub El tamaño del miedo, de Rodrigo Cuesta. Hacía rato que quería verla, pero le tenía miedo (muy grande en tamaño), como le tengo miedo a todo el teatro independiente (por casos como los de Patagonia...). Pero la obra "del Paco" me reconcilió con el género y me animé a la obra de Cuesta. Y quedé encantado. Si bien se notó que el espacio no era el indicado (hay que verla en El Cuenco, donde nació, me decían todos), la obra atrapa con ese bienvenido coqueteo con el lenguaje cinematográfico, en especial del de thrillers. Con una justa dosis de humor, drama y suspenso, y unas más que correctas actuaciones por parte de las cuatro actrices, El tamaño del miedo invita a vencer no ya el miedo, sino el terror que produce el teatro independiente (ahora debería decir, "cierto" teatro independiente).
Y mañana voy a ver Romeo y Julieta, a cargo de la Comedia Cordobesa, de la cual me han llegado comentarios... ¿cómo decirlo...? Desalentadores. Veremos.-
Por suerte, a la semana siguiente me deleité con Los que no fuimos, de Paco Giménez. Debo confesar que el teatro "del Paco" nunca me atrajo. Verdaderamente no entiendo a qué se debe taaaanto reconocimiento. Lo repito: soy muy bruto. Pero esta obra me apasionó. Primera vez que no me molesta la tonada cordobesa en escena. Las actuaciones excelentes, el uso del espacio muy bien aprovechado, el diseño de luces ajustado . Pero lo mejor: la banda sonora. Emocionante, angustiante a veces, conmovedora siempre. Un espectáculo altamente recomendable.
Terminé la semana pum para arriba cuando el lunes ví en el Cineclub El tamaño del miedo, de Rodrigo Cuesta. Hacía rato que quería verla, pero le tenía miedo (muy grande en tamaño), como le tengo miedo a todo el teatro independiente (por casos como los de Patagonia...). Pero la obra "del Paco" me reconcilió con el género y me animé a la obra de Cuesta. Y quedé encantado. Si bien se notó que el espacio no era el indicado (hay que verla en El Cuenco, donde nació, me decían todos), la obra atrapa con ese bienvenido coqueteo con el lenguaje cinematográfico, en especial del de thrillers. Con una justa dosis de humor, drama y suspenso, y unas más que correctas actuaciones por parte de las cuatro actrices, El tamaño del miedo invita a vencer no ya el miedo, sino el terror que produce el teatro independiente (ahora debería decir, "cierto" teatro independiente).
Y mañana voy a ver Romeo y Julieta, a cargo de la Comedia Cordobesa, de la cual me han llegado comentarios... ¿cómo decirlo...? Desalentadores. Veremos.-
9 abr 2007
Banderas es un Don Juan...
Fuente:www.todobroadway.com
Antonio Banderas le contó a la agencia española EFE que volverá a los escenarios de Broadway a principios del 2008 protagonizando el musical “Don Juan”. Esta sería la segunda aparición de Banderas en ‘The Great White Way” luego de actuar en 2003 en el musical Nine, por el que fue nominado a un premio Tony. El actor español también aportó nombres sobre el equipo creativo de este nuevo show. Mencionó al director David Levenaux (con quien ya trabajó en Nine), al compositor argentino Gustavo Santaolalla (ganador de premios Oscar por Secreto en la montaña y Babel) y al libretista de origen Cubano Nilo Cruz (ganador del Pulitzer y nominado a los Tony)
Acá lo vemos en una escenita de Nine, (que, a propósito, contó con otro agentino en sus filas: Gustavo Zajac, como coreógrafo , el director en Argentina de Víctor Victoria), presentado por su esposa, Melanie Griffith, y acompañado por una leyenda viviente del musical, Chita Rivera.-
7 abr 2007
Vuelven por más
Hadley Fraser y Stephanie J. Block, los protagonistas
"La niñera" en el estrenoPor Hernán Espinosa
Boublil y Shöenberg, los autores de Les Miserables y Miss Saigon, estrenaron hace dos días en Broadway su nuevo musical The Pirate Queen (La Reina Pirata) que trata sobre la vida de Grace O´malley, una mujer irlandesa del siglo XVI que, en un mundo dominado por los hombres, lideró un batallón de piratas para enfrentarse a los ingleses y a la mismísima Isabel I . La obra no fue bien recibida por la crítica, a pesar de los esfuerzos de los autores por mejorarla, después de su "prueba" en Chicago. Al estreno concurrieron personalidades como Fran "the Nanny" Drescher.
Boublil y Shöenberg, los autores de Les Miserables y Miss Saigon, estrenaron hace dos días en Broadway su nuevo musical The Pirate Queen (La Reina Pirata) que trata sobre la vida de Grace O´malley, una mujer irlandesa del siglo XVI que, en un mundo dominado por los hombres, lideró un batallón de piratas para enfrentarse a los ingleses y a la mismísima Isabel I . La obra no fue bien recibida por la crítica, a pesar de los esfuerzos de los autores por mejorarla, después de su "prueba" en Chicago. Al estreno concurrieron personalidades como Fran "the Nanny" Drescher.
24 mar 2007
Tolkien a escena
Sam y Frodo cantando El mega-proyecto El Señor de los Anillos en versión musical que se estrenara en Toronto hace un año, se prepara para desembarcar en el teatro Drury Lane de Londres el próximo mes de mayo. Para todos aquellos que pensaban que era imposible llevar la trilogía sobre un escenario, chequeen estas imágenes. Increíble.
11 mar 2007
Macondo a escena
Gabriel García Márquez
Fuente: Clarín
La novela Cien años de soledad, la principal obra del Nobel de Literatura 1982, Gabriel García Márquez, será llevada a la escena teatral por uno de sus sobrinos, Esteban García Márquez, quién manifestó a la agencia DPA que contó con el apoyo y la autorización del escritor colombiano. La pieza teatral se titulará La casa, como García Márquez pretendió —en principio— titular su mítica novela. La idea de llevar a las tablas la obra cumbre del escritor surgió para homenajear la vida del autor y a todos los personajes de sus narraciones. "La idea es acercarse a los principales elementos de la novela, sin pretender hacer toda la historia completa, sino tomar algunos episodios de la primera familia Buendía, como una forma de resaltar la esencia y la cultura de esta generación que marcó a la literatura mundial", señalo el sobrino del escritor. La obra teatral será estrenada el próximo 23 de marzo en la ciudad colombiana de Cartagena de Indias (norte), en el marco del IV Congreso Internacional de la Lengua Española, que se realizará del 26 al 29 de marzo, y contará con la asistencia de Gabriel García Márquez, quien se mostró complacido por el trabajo de sus sobrino. "(Gabo) sabe que yo estoy trabajando desde hace tiempo sobre su obra, le pareció que estaba muy bien, dijo que le gustaba la idea y que se podía desarrollar. El se dio cuenta que nosotros los sobrinos seguimos trabajando en la construcción de nuestro propio arte", agregó Esteban, hijo de Eligio García Márquez, hermano fallecido del Nobel.
La novela Cien años de soledad, la principal obra del Nobel de Literatura 1982, Gabriel García Márquez, será llevada a la escena teatral por uno de sus sobrinos, Esteban García Márquez, quién manifestó a la agencia DPA que contó con el apoyo y la autorización del escritor colombiano. La pieza teatral se titulará La casa, como García Márquez pretendió —en principio— titular su mítica novela. La idea de llevar a las tablas la obra cumbre del escritor surgió para homenajear la vida del autor y a todos los personajes de sus narraciones. "La idea es acercarse a los principales elementos de la novela, sin pretender hacer toda la historia completa, sino tomar algunos episodios de la primera familia Buendía, como una forma de resaltar la esencia y la cultura de esta generación que marcó a la literatura mundial", señalo el sobrino del escritor. La obra teatral será estrenada el próximo 23 de marzo en la ciudad colombiana de Cartagena de Indias (norte), en el marco del IV Congreso Internacional de la Lengua Española, que se realizará del 26 al 29 de marzo, y contará con la asistencia de Gabriel García Márquez, quien se mostró complacido por el trabajo de sus sobrino. "(Gabo) sabe que yo estoy trabajando desde hace tiempo sobre su obra, le pareció que estaba muy bien, dijo que le gustaba la idea y que se podía desarrollar. El se dio cuenta que nosotros los sobrinos seguimos trabajando en la construcción de nuestro propio arte", agregó Esteban, hijo de Eligio García Márquez, hermano fallecido del Nobel.
27 feb 2007
La importancia del carnet de conducir
Por Hernán Espinosa
En la función del domingo pasado en Holanda, los protagonistas de la versión local de Grease terminaron en el foso de la orquesta. Parece que en el famoso número "Grease Lighting", que incluye un auto verdadero en escena, al ídolo juvenil Jim Bakkum que interpreta a Danny se le cayó el sistema ¡y apretó el acelerador en vez del freno! Él y su co-estrella Bettina Reibestein (Sandy) cayeron sobre los músicos que interpretan la música en vivo. El show no se suspendió: los suplentes salieron como flecha a reemplazar a los malheridos protagonistas.
Estos son los protagonistas cunado todo estaba bien...
Este es el auto en cuestión (y el bobo que lo maneja)
Y asi quedó. Increíble.
En la función del domingo pasado en Holanda, los protagonistas de la versión local de Grease terminaron en el foso de la orquesta. Parece que en el famoso número "Grease Lighting", que incluye un auto verdadero en escena, al ídolo juvenil Jim Bakkum que interpreta a Danny se le cayó el sistema ¡y apretó el acelerador en vez del freno! Él y su co-estrella Bettina Reibestein (Sandy) cayeron sobre los músicos que interpretan la música en vivo. El show no se suspendió: los suplentes salieron como flecha a reemplazar a los malheridos protagonistas.
Estos son los protagonistas cunado todo estaba bien...
Este es el auto en cuestión (y el bobo que lo maneja)
Y asi quedó. Increíble.
26 feb 2007
EUROPA MUSICAL: Francia
Por Hernán Espinosa
New York y Londres han dejado de ser los polos centralizadores de la actividad del teatro musical. Cada vez más países del viejo continente van posicionándose en la palestra, consolidándo una industria pujante, personal, con miras a una expansión en ascenso. Productores, autores, actores, cantantes, bailarines y técnicos van perfeccionándose temporada tras temporada, ofreciendo nuevos musicales para un público que es proclive a darles el sí. Este es el caso de Francia, por ejemplo, y en especial de París. Amén de los productos "enlatados" (actualmente, Cabaret hace furor en el Follies Beregères y El Rey León se presta a desembarcar), la patria de Napoleón presenta una nutrida agenda de espectáculos musicales originales, de producción íntegramente local. Y no sólo eso, sino que además los galos pueden darse el lujo de tener su propio festival de teatro y cine musical, que ayer concluyó (foto). Esto sin contar las mercancías "for export": la eterna Les Miserables de Boublil y Shöenberg, y la menos exportada Notre Dame de Paris de Ricardo Cocciante. Vayan como muestras estos videos (no se pierdan el extraño comercial de la obra La otra historia de Babel).
Más información: www.regardencoulisse.com (sitio dedicado exclusivamente al teatro musical en Francia), www.stage-entertainment.fr (sitio de la productora internacional de espectáculos, sede Francia), www.fabianrichard.com (sitio del actor estrella de Cabaret, con una buena provisión de videos).
New York y Londres han dejado de ser los polos centralizadores de la actividad del teatro musical. Cada vez más países del viejo continente van posicionándose en la palestra, consolidándo una industria pujante, personal, con miras a una expansión en ascenso. Productores, autores, actores, cantantes, bailarines y técnicos van perfeccionándose temporada tras temporada, ofreciendo nuevos musicales para un público que es proclive a darles el sí. Este es el caso de Francia, por ejemplo, y en especial de París. Amén de los productos "enlatados" (actualmente, Cabaret hace furor en el Follies Beregères y El Rey León se presta a desembarcar), la patria de Napoleón presenta una nutrida agenda de espectáculos musicales originales, de producción íntegramente local. Y no sólo eso, sino que además los galos pueden darse el lujo de tener su propio festival de teatro y cine musical, que ayer concluyó (foto). Esto sin contar las mercancías "for export": la eterna Les Miserables de Boublil y Shöenberg, y la menos exportada Notre Dame de Paris de Ricardo Cocciante. Vayan como muestras estos videos (no se pierdan el extraño comercial de la obra La otra historia de Babel).
Más información: www.regardencoulisse.com (sitio dedicado exclusivamente al teatro musical en Francia), www.stage-entertainment.fr (sitio de la productora internacional de espectáculos, sede Francia), www.fabianrichard.com (sitio del actor estrella de Cabaret, con una buena provisión de videos).
Cabaret
Les 10 commandements
Comercial de L´autre histoire de Babel
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